在麻省理工学院（MIT）的音乐技术项目中，学生们正积极探索如何利用设计来推动数字乐器和软件的创新，旨在提升人类的表达能力和创造力。这个项目不仅限于课堂学习，还扩展到更广泛的研究领域，为学生们提供了丰富的实践机会。以下将深入探讨该项目如何通过结合技术与艺术，为音乐创作开辟新的可能性。
音乐技术：连接技术与艺术的桥梁
在MIT，音乐技术不仅仅是一门学科，更是一种连接技术与艺术的桥梁。学生们在这里学习如何利用技术工具来表达自己的音乐想法，同时也探索如何通过音乐来激发技术的创新。这种跨学科的融合，使得MIT的音乐技术项目在行业内独树一帜。
在21M.080（音乐技术入门）课程中，学生Thelonious Cooper ’25意识到他有能力创造自己的乐器。他表示：“我可以创造一种全新的乐器。大多数人可能不会想到这一点，但这是完全可行的。”
Cooper认为，正如摄影的发展彻底改变了绘画的重心一样，新的音乐工具也有潜力“为寻找新的创意表达形式铺平道路”。他专注于开发数字乐器和音乐软件，旨在为音乐创作提供更多的可能性。
对于Matthew Caren ’25来说，他对计算机科学、数学和爵士乐的兴趣在设计中找到了交叉点。他解释说：“音乐创作的过程实际上并不是从你坐在钢琴前开始的。它实际上始于有人设计钢琴，并为创作过程设定参数。” Caren认为，当工具定义了艺术创作的参数时，“你只能在技术允许的范围内讲述你的故事。”
音乐技术可以服务于哪些目的？通过同时提出技术和艺术问题，音乐技术的创造者们发现了新的方法来处理工程问题，同时也关注人类对社区和美的概念。
互动音乐系统：探索人机交互的无限可能
由Eran Egozy教授讲授的21M.385（互动音乐系统，简称IMS）课程，重点关注创造包含人机交互元素的音乐体验，通过软件或硬件界面实现。
在他们的第一个作业中，学生们需要编写一个数字合成器，这是一种用于生成和操作具有所需音调的软件。在为音乐应用硬技术技能奠定基础的同时，学生们也在思考他们新兴的美学和创造性兴趣。
Egozy提出了这样的问题：“你如何创造性地使用它？你如何让它以一种不仅仅是一堆随机声音，而是具有某种意图的方式来创作音乐？你能用你刚刚制作的东西来演奏一首小曲吗？”
秉承MIT的校训“mens et manus”（“思想和手”），IMS的学生在学期的最后阶段提出、设计、实施、试玩并展示他们自己的创意音乐系统。学生们在理解用户界面、用户体验（UI/UX）和人机交互的原则的同时，开发新颖的音乐游戏、工具和乐器。
一旦学生们实现了他们的想法，他们就可以评估他们的设计。Egozy强调，快速开发一个“可用的原型”非常重要。“一旦它开始工作，你就可以测试它。一旦你测试了它，你就会发现它是否在工作，然后你可以调整你的设计和你的实施，”他解释说。
尽管学生们会在多个里程碑收到反馈，但一天的试玩是“学生在整个课程中获得的最集中和集中的学习量”。当同学们测试他们的作品的极限时，学生们可能会发现他们的设计选择得到了肯定，或者他们的假设被打破。“这是一种非常有趣的体验，”Egozy说。
Egozy自他在MIT媒体实验室的研究生学习以来，以及作为热门音乐游戏“吉他英雄”和“摇滚乐队”的原始开发者Harmonix的联合创始人，一直沉浸在音乐技术中，他旨在通过创造“令人愉悦的音乐体验”来让更多的人更深入地参与音乐。
同样，音乐技术的开发者们也在加深他们对音乐和技术技能的理解。对于库珀来说，理解声音变化背后的“因果因素”帮助他“更好地策划和塑造[他使用的]声音，在用更精细的细节创作音乐时”。
为可能性而设计
音乐技术标志着历史上的里程碑——从最早的声学乐器到合成器和数字音频工作站的电气化领域，设计决策在各个时代回响。
音乐技术讲师Ian Hattwick说：“当我们创造用于创作艺术的工具时，我们将我们的理解和我们对有兴趣探索的事物的想法融入其中。”
Hattwick将他作为一名专业音乐家和创意技术专家的经验带到了音乐技术入门和21M.370（数字乐器设计）课程的教学中。
对于Hattwick来说，识别创意兴趣、通过创造工具来表达这些兴趣、使用该工具来创作艺术，然后发展出一种新的创意理解，对于艺术家来说是一个具有生成性和强大反馈的循环。但即使一个工具是为了一种目的而精心设计的，有创造力的用户也可以出乎意料地使用它们，在文化层面上产生新的和层叠的创造性可能性。
在许多重要的音乐硬件技术案例中，“这些决策的影响并没有在一二十年内显现出来，”Hattwick说。随着时间的推移，他指出，人们改变了他们对可用乐器可能性的理解，推动了他们对技术的期望以及音乐听起来的样子。一个新颖的例子是鼓手和鼓机之间的关系——人类鼓手从程序化的鼓点中获得灵感，学习独特的、具有挑战性的节奏。
尽管设计师可能会感到原创性的冲动，但Hattwick强调，设计发生在“文化背景下”。设计师扩展、转换并受到现有想法的影响。另一方面，如果一个设计太不熟悉，那么表达的想法就有可能影响有限和传播。目前对哪些声音甚至被认为是音乐的理解与新工具可以操纵和生成它们的方式存在张力。
这种张力导致Hattwick将工具和他们人类设计师的周到选择重新放在焦点上。他说，“当你使用其他人设计的工具时，你也在采用他们思考事物的方式。这没什么不对的。但是你可以做出不同的选择。”
电子工程和计算机科学本科生Evan Ingoldsby将他的兴趣建立在支持了许多音乐历史的物理硬件上，他构建吉他效果器和音频电路，通过电子元件来操纵信号。“许多现代音乐技术都是基于采用用于其他目的的硬件，比如信号滤波器和饱和器等，并将音乐和声音通过它们，看看[它们]如何变化，”Ingoldsby说。
对于库珀来说，从历史和现有的知识体系中学习，无论是艺术上还是技术上，都能释放更多的创造力。他说：“在你的工具箱中添加更多的工具永远不应该阻止你构建你想要的东西。它只会让它更容易。”
Ingoldsby发现，推动模块化合成器等硬件工具达到极限所产生的意想不到的、突发的效应最令人鼓舞。“它的复杂性增加了，但它的自由度也增加了。”
合作与社区
音乐一直是一项集体事业，培养联系、仪式和社区体验。音乐技术的进步既可以扩大现场表演者的创作可能性，也可以促进音乐家们聚集和创作的新方式。
库珀将他在高性能、低延迟计算方面的研究与他开发实时音乐工具的工作直接联系起来。库珀提出，许多音乐工具只能“离线”良好地工作。“例如，你会将一些东西录制到你电脑上的数字音频工作站中，然后你会点击一个按钮，它会改变它的声音。这非常酷。但我认为如果你能让它实时发生，那就更酷了。你能在你演奏时改变声音发出的方式吗？”库珀问道。
加速声音处理的问题，使得输入和输出的时间差——延迟——对人类听觉来说是无法察觉的，这是一个技术问题。库珀对实时音色转移感兴趣，例如，它可以改变来自萨克斯的声音，就像它来自大提琴一样。他指出，这个问题与人工智能研究中的常见技术相交。库珀改进音乐软件工具的速度和效率的工作可以为数字音乐表演者提供新的效果，以在现场设置中操纵音频。
Hattwick回忆说，随着2010年代个人计算的兴起，出现了一种对“笔记本电脑合奏”的呼吁，以思考在数字化时代现场音乐表演的新问题。他提出，“用笔记本电脑演奏音乐意味着什么？为什么这很有趣？笔记本电脑是一种乐器吗？”
在由Hattwick指导的Fabulous MIT Laptop Ensemble（FaMLE）中，MIT学生在一个“生活实验室”中追求音乐表演。在FaMLE成员的兴趣驱动下，FaMLE探索数字音乐、网络音频和实时编码，这是一种暴露编写代码以生成音乐的过程的即兴实践。作为FaMLE的成员，Ingoldsby找到了一个将他的声音设计实践置于更广泛背景下的地方。
当新兴的数字技术与艺术相结合时，关于人类创造力的问题就会出现。由多学科人员组成的社区允许交流思想，从而产生解决复杂问题的新方法。“工程师可以为表演者提供很多东西，”库珀说。“随着技术的进步，我认为重要的是我们用它来进一步发展我们进行创意实践的能力，而不是替代它。”
Hattwick强调，“探索这个问题的最好方法是一起。”
