在麻省理工学院（MIT）的音乐技术项目中，学生们正利用设计来拓展数字乐器和软件的边界，致力于实现人类表达和赋权。从课堂到不断扩展的研究机会，MIT的学生们正在塑造音乐科技的未来。
音乐科技：连接创意与科技的桥梁
在MIT的音乐技术项目中，学生们不仅在探索新的声音、曲调和体验，还在不断发展自己的创意能力。课程21M.080（音乐技术导论）让2025届学生Thelonious Cooper意识到，他有能力创造自己的乐器。“我可以创造一种全新的乐器。我认为大多数人没有考虑到这一点，但这完全是可能的，”库珀说。
类似于摄影的发展如何促成绘画优先级的根本转变，库珀认为，新的音乐工具也有潜力“为寻找新的创意表达形式铺平道路”。库珀专注于开发数字乐器和音乐软件。
对于2025届学生Matthew Caren来说，他对计算机科学、数学和爵士乐表演的并行兴趣在设计中找到了交汇点。卡伦解释说：“创作音乐的过程实际上并非从你坐在钢琴前开始，而是从有人走出去设计钢琴，并为创作过程设定参数时开始。”当工具定义了创作艺术的参数时，卡伦认为，“你只能在技术允许的范围内讲述你的故事。”
音乐技术能服务于哪些目的？通过同时持有技术和艺术问题，音乐技术的创造者们正在发现新的方法来处理工程问题，以及人类对社区和美的概念。
互动音乐系统：探索人机交互的无限可能
由实践教授Eran Egozy教授的21M.385课程（互动音乐系统，简称IMS）侧重于创造包含某种人机交互（HCI）元素的音乐体验，通过软件或硬件界面实现。
在他们的第一个任务中，学生们需要编程一个数字合成器，这是一种用于生成和操作具有所需音高的软件。在构建硬技术技能应用于音乐的基础的同时，学生们也在思考他们萌芽的美学和创意兴趣。
“你如何创造性地使用它？你如何让它以一种不仅仅是一堆随机声音，而是具有某种意图的方式来创作音乐？你能用你刚制作的东西来演奏一首小曲吗？”Egozy提示道。
秉承MIT的座右铭“mens et manus”（“思想和手”），IMS的学生们在学期的最后阶段提出、设计、实施、试玩并展示他们自己的创意音乐系统。学生们在理解用户界面、用户体验（UI/UX）和人机交互原理的同时，开发出新颖的音乐游戏、工具和乐器。
一旦学生们实现了他们的想法，他们就可以评估他们的设计。Egozy强调，快速开发一个“可用的原型”非常重要。“一旦它开始工作，你就可以测试它。一旦你测试了它，你就会发现它是否有效，然后你可以调整你的设计和你的实现，”他解释说。
虽然学生们在多个里程碑中都会收到反馈，但试玩日是“学生们在整个课程中获得的最集中和最集中的学习量”。当同学们测试他们的创作的极限时，学生们可能会发现他们的设计选择得到了肯定，或者他们的假设被打破。“这是一种非常有趣的体验，”Egozy说。
Egozy自他在MIT媒体实验室的研究生学习以来，以及作为热门音乐游戏“吉他英雄”和“摇滚乐队”的原始开发商Harmonix的联合创始人，一直沉浸在音乐技术中，他的目标是通过创造“令人愉悦的音乐体验”来赋能更多的人更深入地参与音乐。
同样，音乐技术的开发者们也在加深他们对音乐和技术技能的理解。对于库珀来说，理解声音变化的“因果因素”帮助他“更好地策划和雕琢他在制作音乐时使用的声音，更加精细”。
为可能性而设计：音乐技术的演进与创新
音乐技术标志着历史上的里程碑——从最早的声学乐器到合成器和数字音频工作站的电气化领域，设计决策在各个时代都产生了影响。
“当我们创造我们用来创作艺术的工具时，我们会在其中设计我们对我们感兴趣探索的事物的理解和想法，”音乐技术讲师Ian Hattwick说。
Hattwick将他作为一名专业音乐家和创意技术专家的经验带到了音乐技术导论和21M.370课程（数字乐器设计）的教学中。
对于Hattwick来说，识别创意兴趣，通过创造工具来表达这些兴趣，使用该工具来创作艺术，然后发展一种新的创意理解，对于艺术家来说是一个具有生成性和强大反馈的循环。但即使一个工具是为一种目的而精心设计的，有创意的用户也可以出乎意料地使用它们，从而在文化层面上产生新的和级联的创意可能性。
在许多重要的音乐硬件技术的案例中，“决策的影响在十年或二十年后才显现出来，”Hattwick说。随着时间的推移，他指出，人们改变了他们对可用乐器可能性的理解，从而提高了他们对技术和音乐可能听起来像什么的期望。一个新颖的例子是鼓手和鼓机之间的关系——人类鼓手从程序化的鼓点中获得灵感，从而学习独特的、具有挑战性的节奏。
虽然设计师可能会感到原创性的冲动，但Hattwick强调，设计发生在“文化背景下”。设计师扩展、转换并受到现有想法的影响。另一方面，如果一个设计过于陌生，那么所表达的想法可能会受到有限的影响和传播。目前对什么声音甚至被认为是音乐的理解，与新工具可以操纵和生成它们的方式存在 tension。
这种tension促使Hattwick将工具和他们人类设计师的深思熟虑的选择重新放在焦点上。他说，“当你使用其他人设计的工具时，你也在采用他们思考事物的方式。这没有什么不对。但你可以做出不同的选择。”
将他的兴趣建立在支持了大部分音乐历史的物理硬件上，电气工程和计算机科学本科生Evan Ingoldsby构建了吉他效果器和音频电路，这些电路通过电子元件来操纵信号。“许多现代音乐技术都是基于将用于其他目的的硬件，如信号滤波器和饱和器等，并将音乐和声音通过它们，看看它们如何变化，”Ingoldsby说。
对于库珀来说，从历史和现有的知识体系中学习，无论是在艺术上还是在技术上，都能释放更多的创造力。“在你的工具箱中添加更多的工具永远不应该阻止你构建你想要的东西。它只会让它更容易，”他说。
Ingoldsby发现，推动模块化合成器等硬件工具达到极限所产生的意想不到的、涌现的效果最令人鼓舞。“它在复杂性上增加了，但也在自由度上增加了。”
协作与社区：音乐科技的未来展望
音乐一直是一项集体事业，培养了连接、仪式和社区体验。音乐技术的进步既可以扩大现场表演者的创意可能性，也可以促进音乐家聚集和创造的新方式。
库珀将他在高性能、低延迟计算方面的研究与他开发实时音乐工具的工作直接联系起来。库珀提出，许多音乐工具只能在“离线”状态下良好运行。“例如，你会将一些东西录制到你电脑上的数字音频工作站中，然后你会点击一个按钮，它会改变它的声音。这非常酷。但我认为如果你能做到实时就更酷了。你能在你演奏的时候改变发出的声音吗？”库珀问道。
加速声音处理的问题，使得输入和输出的时间差——延迟——对人类听觉来说是无法察觉的，这是一个技术问题。库珀对实时音色转移感兴趣，例如，它可以改变萨克斯管发出的声音，使其听起来像是来自大提琴。他指出，这个问题与人工智能研究中的常见技术相交叉。库珀改进音乐软件工具的速度和效率的工作可以为数字音乐表演者提供新的效果，以在现场环境中操纵音频。
随着2010年代个人计算的兴起，Hattwick回忆说，出现了对“笔记本电脑合奏”的呼吁，以思考数字化时代现场音乐表演的新问题。“用笔记本电脑演奏音乐意味着什么？为什么这很有趣？笔记本电脑是一种乐器吗？”他提出了这些问题。
在由Hattwick指导的Fabulous MIT Laptop Ensemble（FaMLE）中，MIT的学生们在一个“生活实验室”中追求音乐表演。在成员的兴趣驱动下，FaMLE探索数字音乐、网络音频和现场编码，这是一种即兴创作实践，暴露了编写代码以生成音乐的过程。作为FaMLE的成员，Ingoldsby找到了一个将他的声音设计实践置于更广泛背景下的地方。
当新兴的数字技术与艺术相 interface 时，关于人类创造力的问题就出现了。由多学科人员组成的社区允许交流思想，以产生解决复杂问题的新方法。“工程师可以为表演者提供很多东西，”库珀说。“随着技术的进步，我认为重要的是我们利用它来进一步发展我们的创意实践能力，而不是取代它。”
Hattwick强调，“探索这一点的最佳方式是共同探索。”
